Para los amantes del arte, la Galería Uffizi es la atracción número uno en Florencia. Los turistas más informales, ya sea que vean la galería de forma independiente o en una visita guiada, al menos querrán ver sus aspectos más destacados, incluido su trabajo más famoso: El nacimiento de Venus de Botticelli. Aparte de su tamaño, quizás lo más asombroso que se debe saber antes de visitar la Galería de los Uffizi es que se trata de una colección privada de una familia, y solo una parte de ella. El arte más valioso está escondido en sus otros palacios y villas.

Más allá de los coleccionistas, los Medici eran grandes mecenas del arte, y sin su patrocinio, muchas de estas obras nunca podrían haber sido creadas. En algún momento de su recorrido, deténgase para dar un breve asentimiento de agradecimiento a la mujer que aseguró que esta gran colección, y las otras obras de arte de los Medici, se quedarán aquí en Florencia. Las colecciones fueron legadas a la ciudad por Anna Maria Ludovica von der Pfalz, la última heredera de la casa de Medici, quien murió en 1743. Y ella estipuló que debían permanecer en Florencia.

Los Uffizi contienen una de las colecciones de pinturas más importantes del mundo. Además del arte florentino e italiano, también incluye una gran cantidad de obras extranjeras y esculturas clásicas. Su mayor tesoro es la colección única de pintura renacentista florentina, una parte vital de la contribución de esta ciudad al arte europeo. Estas obras de entre aproximadamente 1300 y 1500 establecen el camino para todo el arte occidental que siguió.

En esta guía, encontrará los aspectos más destacados de los tesoros de los Uffizi, siguiendo el mismo orden que la guía turística del propio museo. Las obras de arte se muestran en orden cronológico según el momento en que se pintaron, comenzando con la Sala 2 en el segundo piso de los Uffizi. Sin embargo, más allá del Salón 13, la galería octagonal en el Tribune, las obras ya no están en orden cronológico, sino de acuerdo con las escuelas, las regiones y los países. Cubren obras desde alrededor de 1500 hasta 1700.

1. Madonna Enthroned de Cimabue y arte toscano del siglo XIII

La sala 2 de los Uffizi reúne a tres grandes madonnas de alrededor de 1300, que ilustran el debut del arte toscano y uno de sus primeros puntos altos. Estos tres cuadros, vistos juntos, son la mejor introducción que se puede pedir, tanto a los Uffizi como al arte del Renacimiento. La Madonna Enthroned de Cimabue (ca. 1275) todavía está completamente en la tradición bizantina de pintar a la Virgen, que parece una estatua, alejada de la realidad y rodeada de ángeles dispuestos simétricamente. El Cristo infantil de Cimabue está vestido como un general romano, y no hay señales de ningún intercambio tierno entre madre e hijo. En contraste, Madonna Enthroned (1285) de Duccio muestra más movimiento, con colores suaves y líneas fluidas, pero aún así etérea y distante.

La primera aparición de una visión humana y realista se encuentra en la Madonna Enthroned by Giotto (ca. 1310). El trono parece casi al alcance, las figuras tienen peso y solidez, haciendo contacto visual entre sí y con el espectador. Giotto fue el primer artista en representar a la Virgen como una mujer con presencia física, e incluso sus figuras menores están animadas y tienen diferentes expresiones faciales. Rompe con los colores más apagados del arte bizantino, pero los fondos siguen siendo el oro tradicional. El logro más importante e histórico de Giotto, sin embargo, fue su composición. Fue el primer pintor en crear un espacio bien definido que considera el ojo del espectador, y su composición piramidal creó un modelo que duraría siglos. El estilo más personal y realista de Giotto era llevar a un verdadero Renacimiento en el arte. A partir de entonces, la pintura sería un arte por derecho propio, y finalmente eclipsaría a la escultura.

2. Anunciación de Simone Martini y Lippo Memmi (arte toscano del siglo XIV)

Las siguientes galerías muestran cómo otros pintores estaban cambiando de las antiguas normas. Aunque la Anunciación (alrededor de 1333) del artista sienés Simone Martini y su cuñado Lippo Memmi, todavía tiene un estilo muy gótico, ya muestra la transición a un Nuevo Realismo. El escenario, con sus torrecillas y aguilones, suena con arquitectura gótica, pero la prenda ondeante del ángel y la Virgen muestran un gran refinamiento y elegancia. Los movimientos tienen ternura y sensibilidad, pero las delicadas imágenes femeninas siguen siendo casi etéreas.

Entre otros ejemplos sieneses del siglo XIV se encuentran Madonna in Glory (1340) de Pietro Lorenzetti, un seguidor de Giotto, y escenas de la vida de San Nicolás de Ambrogio Lorenzetti, notables por los intentos de usar la perspectiva. Los más prominentes de los seguidores florentinos de Giotto que se muestran aquí son Bernardo Daddi (fallecido en 1348) y Taddeo Gaddi (fallecido en 1366), cuyos retablos utilizan colores delicados y líneas suaves y elegantes para mostrar a las personas y los entornos de manera más realista.

3. La Adoración de los Magos de Gentile da Fabriano.

El gótico continuó dominando el arte a principios del siglo XV, pero aunque la Adoración de los Magos de Gentile da Fabriano (1423) todavía transmite el ideal gótico de la belleza, su atención pródigo a los detalles marca la temprana transición del gótico al renacimiento. También puede ver en el fondo, bajo los arcos del marco ornamentado del retablo, los inicios de un intento de mostrar una perspectiva a medida que la procesión se hace más pequeña y casi desaparece en el horizonte. Esta es considerada su obra maestra, y el epítome de la pintura gótica internacional.

El contemporáneo de Fabriano, Masaccio, revolucionó aún más el arte de la perspectiva en sus esfuerzos por crear tres dimensiones en una superficie bidimensional. Madonna y el niño con Santa Ana de Masaccio (ca. 1420), pintada con Masolino, es una de sus primeras obras. Se ubica entre Brunelleschi y Donatello como uno de los fundadores del Renacimiento, una nueva experiencia artística en la realidad, basada en observar y registrar la naturaleza con precisión. Puedes ver esto en el modelado en relieve y la belleza natural realista de los rostros y figuras en el retablo de Masaccio.

Busque también la Coronación de la Virgen por Fra Angelico, el monje dominicano que fue contemporáneo de Masaccio, y cuyo místico concepto religioso del arte lo lleva en la dirección opuesta. Pero él estaba innovando de otras maneras. Si bien todavía usa fondos dorados y figuras drapeadas etéreas, los ricos colores y la disposición circular de las figuras de Fra Angelico crean una perspectiva pictórica unificadora.

4. La Virgen y el Niño de Domenico Veneziano.

Abandonando la convención anterior de un fondo dorado para un retablo, en este trabajo de 1445, Veneziano lleva la perspectiva a nuevas alturas al colocar a los santos armoniosamente en un semicírculo, y mejora el efecto de la profundidad por los patrones geométricos del mármol con incrustaciones. Su principal innovación, sin embargo, llegó como un maestro de la luz y la sombra realistas. Sus finos matices y sus delicados tonos de color estaban muy por delante de las sólidas áreas de color fuerte utilizadas por sus contemporáneos florentinos. El uso de la luz y los colores por parte de Veneziano influyó en el trabajo de Piero della Francesco, quien a menudo colaboraba con él.

5. Retratos del duque y duquesa de Urbino por Piero della Francesca

La pintura de retratos fue otro foco para el arte del Renacimiento temprano, y uno que mantuvo felices a los clientes. Los retratos del duque y duquesa de Urbino por Piero della Francesca desde alrededor de 1465 son un buen ejemplo. Pero Piero no aduló a sus asistentes, mostrando la nariz aguileña, las arrugas, los labios finos y la constitución robusta del duque. Observe el fondo, un raro ejemplo de paisaje renacentista temprano.

Más parecido a un retrato que al arte religioso es la Virgen y el Niño de Filippo Lippi (ca. 1460), una joven y elegantemente vestida con dos ángeles sonrientes, una escena que muestra afecto y contacto visual entre la madre y el niño que refleja las crecientes interpretaciones secularizadas de temas religiosos. La habitación 9 cuenta con enormes paneles de las Siete Virtudes, de Piero del Pollaiolo. En realidad, Piero pintó solo seis, el séptimo es uno de los primeros trabajos de Botticelli.

6. El nacimiento de Venus de Botticelli.

Lo que te lleva a la Edad de Oro de Florencia y a una de sus estrellas más brillantes, Botticelli. Junto con su propio engrandecimiento, los florentinos patricios estaban muy interesados ​​en la literatura y la filosofía clásicas, y las obras más famosas de Botticelli, Nacimiento de Venus y Primavera, ambas encargadas por un Medici, lo reflejan. En el nacimiento de Venus (1482/1483), Botticelli combina el pensamiento clásico y el cristiano en términos de las ideas del Renacimiento, como un renacimiento del espíritu de la mitología clásica y la teología cristiana. Pinta un desnudo femenino modelado en una estatua clásica de la diosa del amor Venus, e implica un bautismo cristiano (como se bautiza a Cristo en el Jordán). Compare este pensamiento florentino con el Entombment (ca. 1450) del pintor flamenco Rogier van der Weyden y el retablo de Portinari de Hugo van der Goes, ambos en la misma sala, para apreciar en qué medida estas ideas florentinas difieren de las del norte de Europa. Allí, un desnudo sería impensable, y las figuras se ocultan en las cortinas.

Botticelli pintó el retablo Adoración de los Magos alrededor de 1475 cuando tenía alrededor de 30 años, y la comisión incluyó retratos de miembros de la familia Medici y sus asociados entre los espectadores. Organizó el grupo en una pirámide con la sagrada familia en su apogeo, debajo de ellos los tres reyes, los tres Medici de más alto rango, y debajo de ellos en el orden de los Medici y sus amigos. El tema actual parece retroceder a un segundo plano, sirviendo más como un pretexto para una magnífica representación de los Medici y sus partidarios.

7. La Anunciación de Leonardo da Vinci.

Leonardo da Vinci vivió en un momento de descubrimiento científico que cuestionaba los relatos bíblicos como el único modelo para explicar el universo. Un rasgo principal de su trabajo, ya sea pintura o escultura, fue traer a la naturaleza a su trabajo de una manera que hizo que los temas religiosos místicos fueran más creíbles en un mundo que se estaba haciendo rápidamente consciente de la ciencia. En este trabajo inicial, muestra las alas del ángel como alas de aves realistas cubiertas de plumas.

Leonardo también captura con sensibilidad la atmósfera de su tiempo en la Adoración de los Magos (1481). En el centro de esta imagen inacabada, la Virgen y el niño aparecen como una influencia estabilizadora, rodeados por una masa de personas que saludan el nacimiento con asombro y asombro o con duda y temor. En lugar de un cuento popular, la Natividad gana una nueva dimensión de la redención mundial.

La sala 16 es la última en la primera parte de la gira de los Uffizi, que se dedica al arte florentino y toscano de 1300 a 1500, principalmente en orden cronológico. El arte del posterior Renacimiento italiano sigue en la Sala 25 en adelante, organizada según las escuelas de pintura.

8. La Tribuna

En el centro de la impresionante Tribuna octogonal , en sí misma una obra de arte, se encuentra el Medici Venus, la escultura de mármol clásica más famosa de Florencia, y se cree que es una versión griega tardía de la Afrodita de Cnidus de Praxiteles. En las paredes se encuentran los retratos manieristas de la familia Medici de mediados de los años 1500, los más destacados de Pontormo, Bronzino y Vasari. Pietro Perugino, alumno de Verrocchio y maestro de Rafael, está representado por Madonna con santos y varios retratos que muestran su realismo tridimensional y un color tenue que allanó el camino para el arte clásico del Alto Renacimiento. Del mismo modo, la turbulencia y el color del estilo de Luca Signorelli, como verá, su Sagrada Familia ( ca. 1495) y Madonna y el Niño, por otro lado, muestran mucha más turbulencia y movimiento, una influencia en el joven Miguel Ángel.

9. La adoración de los magos de Albrecht Dürer.

Al mismo tiempo que los florentinos y otros pintores italianos estaban cambiando el mundo del arte, los artistas alemanes se mudaban a su propio Renacimiento, como verá en las obras maestras de Albrecht Dürer. En Adoration of the Magi (1504), Dürer muestra su comprensión tanto de la perspectiva como del juego de la luz en el drapeado de la ropa. Utiliza colores brillantes en primer plano para promover la ilusión de perspectiva. Al igual que otros artistas alemanes y del norte de Europa, incluye una gran cantidad de detalles y se esfuerza por lograr un realismo meticuloso. El artista de Nuremberg también está representado por su Virgen y el Niño (1526) y por una de sus obras más antiguas que aún existe, Retrato del Padre (1490).

Las obras del artista alemán Lucas Cranach incluyen su retrato de Martin Luther y su esposa Katharina, un autorretrato, un impresionante Melanchthon y un Adán y Eva bastante eróticos. La pintura veneciana, caracterizada por un color suave y una luz equilibrada, está representada por la Alegoría religiosa de Giovanni Bellini (ca. 1485) y el Retrato de un jinete maltés de Giorgione. También representan el arte del Alto Renacimiento en el norte de Italia las obras religiosas de Antonio Allegri, mejor conocido como Correggio, cuyas composiciones diagonales, efectos de luz y profundidades inusuales de perspectiva tuvieron una influencia duradera en la pintura barroca posterior.

10. La Sagrada Familia de Miguel Ángel y el Alto Renacimiento

La Sagrada Familia de Miguel Ángel (1504/1505), conocida como Doni Tondo, carece de sentimientos religiosos, la familia aparece como esculpida en un bloque y muestra los sólidos antecedentes de la escultura en Miguel Ángel. En esta pintura, verá indicios de su obra maestra en el techo de la Capilla Sixtina en la profusión de figuras desnudas y los colores brillantes e iridiscentes. El año de la muerte de Rafael (1520) marcó el comienzo del manierismo, la última fase del Renacimiento que duró hasta alrededor de 1600. Su alejamiento de los estilos clásicos incluía formas y colores no naturales, mostrados por la composición casi bidimensional del Moisés Defensor de Rosso Fiorentino. Las Hijas de Jetro (1523), cuyas figuras parecen irreales, casi como muñecas articuladas.

Tres obras importantes de Rafael de este mismo período incluyen un autorretrato (ca. 1506), su encantadora Virgen María con el Jilguero y el Papa León X con los Cardenales Giulio de 'Medici y Luigi de'Rossi. Rafael describe al Papa como un individuo e intelectual, no simplemente como un líder poderoso. La Madonna con las arpías de Andrea del Sarto, un retablo monumental que es típico del arte del Alto Renacimiento florentino, combina la técnica suave de Rafael con la monumentalidad de Miguel Ángel y las cualidades atmosféricas de Leonardo da Vinci. El manierismo fue la transición del siglo XVI entre el Renacimiento y el Barroco, turbulenta y llena de movimiento, distorsionando la realidad e interpretando místicamente la piedad. En la Cena de Jacopo da Pontormo en Emaús (ca. 1525), verá la influencia de sus maestros Leonardo da Vinci y Andrea del Sarto, fusionados con la inspiración de la obra tardía de Rafael y el arte monumental de Miguel Ángel.

Las obras del gran pintor veneciano Tiziano incluyen Venus de Urbino (1538), Ludovico Beccadelli (1552), Venus y Cupido (1560), Eleonora Gonzaga della Rovere, Francesco María, Duque de Urbino y La Flora, uno de sus mejores retratos de las mujeres Venus de Urbino es especialmente interesante por la forma en que Tiziano usa tonos de rojo para juntar las diferentes partes de la imagen en diagonal. Girolamo Francesco Maria Mazzola, conocido como Parmigianino, fue influenciado a su vez por Correggio, el Alto Renacimiento Romano y el Manierismo . Madonna with the Long Neck, pintada entre 1534 y 1540, es un buen ejemplo de distorsión manierista, con sus figuras alargadas y su extraña luz.

11. La Sagrada Familia de Veronese con Santa Bárbara

Si sus ojos no se han vuelto vidriosos ahora, busque en las galerías restantes, que contienen una variedad de obras maestras, en particular varias de artistas venecianos. La Sagrada Familia de Paolo Veronese con Santa Bárbara refleja la opulencia de Venecia en sus tonos dorados y la rica vestimenta del santo. Las figuras realistas y las caras expresivas son típicas de los pintores venecianos. También en esta galería se encuentran la Anunciación y el martirio de Santa Justina de Veronese y el Retrato de un hombre de Tintoretto. En la habitación de al lado hay varias más de Tintoretto. Mire, también, al Jefe de una Juventud de Lorenzo Lotto (1505).

Van Dyck y algunas de las mejores obras de Rubens son las siguientes: Henry IV en Ivry y Henry IV Entering Paris, Isabella Brandt y Entrada de Ferdinand de Austria a Amberes. En la Sala Niobe, busque la mejor escultura clásica en Florencia después del Medici Venus, el Jarrón Medici del segundo siglo antes de Cristo.

12. Retratos de Rembrandt

A lo largo de su carrera, que coincide con la Edad de Oro de la pintura holandesa, Rembrandt pintó una serie de autorretratos, dos de los cuales se muestran en los Uffizi. A medida que registra los cambios en sí mismo, desde el joven confiado hasta el pintor de más edad, también registra su viaje como artista. Con estos se muestra su Retrato de un anciano, pintado casi al mismo tiempo que su autorretrato posterior.

Busque aquí, también, las obras de Caravaggio, incluyendo su Baco Joven, Medusa y El Sacrificio de Isaac. El sorprendente realismo de los dos últimos trabajos se intensifica por el brillante sentido del drama de Caravaggio en el uso de la luz y la sombra.

Consejos y recorridos: cómo aprovechar al máximo su visita a la Galería Uffizi

• Recorridos por la Galería de los Uffizi: visitantes en una línea sin colas : el recorrido de la Galería de los Uffizi de Florencia puede evitar las largas colas para ver todos los puntos destacados y aprender sobre los artistas y sus obras con un guía experto en arte. El recorrido a pie de 1, 5 horas está disponible por las tardes durante todo el año, las mañanas y las tardes en verano. El boleto le permite permanecer después del recorrido para explorar en el ocio. Evite las colas: las entradas a la Galería Uffizi de Florencia le permiten evitar las líneas y explorar la galería a su propio ritmo sin guía. Otra opción es combinar los Uffizi con la otra galería de arte principal en Skip the Line: Florence Accademia y Uffizi Gallery Tour, pasando 1.5 horas en cada museo con un guía experto en arte. Un recorrido a pie es por la mañana, el otro por la tarde, cada vez sin pasar por las filas de espera.
• Visite la Galería de los Uffizi por su cuenta: aunque puede esperar que las filas de admisión sean muy largas de primavera a otoño, las más largas son los fines de semana, los martes y por la mañana. Si no reservó las entradas con anticipación, a veces puede comprarlas en la taquilla del museo en la Iglesia de Orsanmichele (cerrado los domingos). Puede que no tengan ninguno disponible, pero vale la pena intentarlo. Hay recorridos de audio disponibles, pero la guía pequeña que se vende en la entrada es más detallada.

Dirección

• Piazzale degli Uffizi 6 (saliendo de Piazza Signoria), Florencia